Quatre pièces majeures composeront le parcours
L’Auto-combustion
Canis Lingua
La Mère
Une création inédite faite pour le musée
La démarche de Marc Alberghina
L’oeuvre de Marc Alberghina se situe dans la mouvance de l’art contemporain international tout en étant ancré dans l’art céramique populaire de Vallauris. Les sujets traités sont graves tels que la mort, la société de consommation et ses pollutions, souvent triviaux et crus, voire irrévéren-cieux, mais toujours envisagés et produits avec une forte esthétique.
« Tout en surfant en conscience sur un excès de sensationnalisme, Marc Alberghina adopte une esthétique qui pourrait être qualifiée de « décadente » si elle n’était pas aussi cultivée, emplie de références iconographiques à l’art ancien – celles des ex-voto, des vanités, ou de la figure du mar-tyr, parmi d’autres – et imprégnée des textes et rituels de la religion catholique… Grâce à l’élé-gance visuelle et au sens aigu de la narration qui le caractérisent, il évite toujours « sur le fil » les écueils du scabreux ou du racolage facile… » (Frédéric Bodet, Séduire et horrifier)
Le corps humain, son propre corps, prend vie (ou se disloque) dans un monde singulier de repré-sentations de la société contemporaine, de l’histoire des formes, qu’il se représente en Saint Sé-bastien ou en corps calciné par l’auto-combustion dans un téléviseur.
Son oeuvre dégage une force et une violence singulière générée par la prouesse d’une technique qu’il maîtrise. La passion et le désir sont les thèmes principaux de son oeuvre. Il traduit en sculp-ture les sentiments humains et les sensations uniques. On pourrait dire de lui qu’il est un « expressionniste » sculpteur. Il nous rappelle notre condition humaine.
MARC ALBERGHINA
« Une condition trop volontairement évacuée de notre champ de réflexion et de vie où la con-sommation permanente d’images trafiquées aussi factices qu’édulcorées qui tiennent lieu d’icônes modernes faciles et gratuites ressemble à s’y méprendre à un cannibalisme qui ne cache que trop bien son nom sous des apparences soi-disant civilisées. » (Yves Peltier, Texte sur l’intention créatrice, oeuvre n°2 : « FESTIN/Offrande »)
La technique de Marc Alberghina
Son travail se démarque volontairement de la poterie contemporaine de Vallauris mais est ancré dans la tradition culturelle de la céramique, notamment pour ce qui concerne l’inclusion des émaux flammés et des lustres qu’il emprunte à la tradition kitsch vallaurienne. L’artiste explore les limites du médium par le traitement de l’expressivité de son art et l’échelle monumentale.
Marc Alberghina intègre aussi le fer forgé dans son travail, notamment les pièces récupérées de la Maison Chaty de Vallauris, spécialisée dans les miroirs et les tables basses.
Il utilise aussi des éléments issus des fonds d’ateliers de potiers de Vallauris, dont les coquillages et les veilleuses, faisant revivre les productions emblématiques des années 1970.
Les oeuvres présentées dans l’exposition
A l’occasion de l’exposition au Musée Jean Cocteau, Marc Alberghina a conçu un groupe de sculptures Le Roi, la Reine et le sujet pour intégrer l’espace épuré de l’architecte Rudy Ricciotti, construit en hommage à Jean Cocteau.
Ne cherchons pas à ordonner les ornements, le mouvement, les contrastes de couleurs. Cet ex-traordinaire ensemble, que le visiteur devra pénétrer mentalement, est pour l’artiste prétexte à retravailler les Saints Patrons de la sculpture baroque d’Outre-Rhin, leur splendeur et leur ri-chesse. Chaque couvent ou monastère laissait alors libre cours à l’imagination des religieux qui couvraient de pierres précieuses et d’ornements les squelettes des martyrs locaux. L’artiste s’ap-proprie ici le sujet et laisse aller sa créativité en utilisant toutes les richesses matérielles dont il peut disposer. Il ne manque pas non plus de nous ramener vers le monde contemporain car chez lui tout sujet est le reflet d’un environnement.
Auto-combustion
En créant cette oeuvre Marc Alberghina décadenasse au fond de ses entrailles une porte à double battant couverte de ferronneries splendides mais bardées de défenses. Car cette porte est celle derrière laquelle s’abritent mythes et symboles, rêves cauchemardesques et imagination les plus folles. Après avoir tracé dans notre civilisation un nombre considérable de voies toutes étrangères à la raison, le feu conserve tout son pouvoir de fascination pour les amateurs de l’étrange, du paranormal et des pratiques extrêmes. (P. Favardin, Autocombustion spontanée)
L’oeuvre pose un regard critique sur cette invention qui phagocyte l’homme, la télévision. L’ar-tiste se représente carbonisé dans l’écran : cette destruction par le feu symbolise, pour Alberghi-na, la renaissance et la purification. C’est aussi l’image et la mise en scène de l’artiste assujetti au marché de l’art. Cette combustion peut aussi être celle de Vallauris qui a perdu sa tradition arti-sanale. Marc Alberghina se pose « comme fer de lance » du retour aux valeurs de cette ville, à sa qualité originelle qu’il revisite.
Canis lingua
Une langue monumentale sera présentée dans cette exposition. Cet organe, objet de provoca-tion, suscite le dégoût ou parfois la fascination de certains spectateurs. Elle fait partie des repré-sentations populaires du corps humain, bien que rarement reproduite.
Pour Alberghina, au-delà de la représentation-même, la langue est le moyen de communiquer en général et plus précisément, elle est le « véhicule » de sa pensée, l’expression de son langage particulier.
« Marc Alberghina choisit une stratégie, celle du partage. Il donne, partant du principe que cette appréhension doit être aussi et, avant tout, une appropriation. Il donne à voir ses oeuvres, en es-pérant secrètement qu’on les lui arrache des mains… La relation au regardant doit donc, à ses yeux, être directe. Ce dernier est frontalement et immédiatement mis en relation avec ses oeuvres. Il est invité pour ne pas dire « contraint » à voir ce qui est à l’oeuvre et qui est, aussi, son « oeuvre »… » (Yves Peltier, Canis Lingua, Marc Alberghina, Madoura, lieu d’art, d’histoire et de création, 2014.)
Et le jeu continue avec la Mère, pièce énigmatique, monumental utérus portant une des couleurs du deuil.
Traité entre l’élément architectural décoré et la sculpture figurative, elle se décompose en deux parties distinctes : un premier élément, incubateur robotisé décoré comme une vieille chambre et surmonté de cols de cygnes tel des trompes utérines « Empire ». Puis, en dessous, une lessiveuse emplie d’avortons précieux et lustrés, de formes indistinctes mêlant
